Pop Art, un toque chic a lo cotidiano

El Pop Art es un movimiento artístico que nació en 1960 en Estados Unidos como reacción frente al Expresionismo Abstracto, ya que consideraban a este último como vacío y elitista. El movimiento fue creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial

El Pop Art utiliza la técnica de yuxtaposición de diferentes elementos:
-cera
-oleo
-pintura plástica

Al igual que materiales de desecho:
-fotografías
-trapos viejos
-collages
-assemblages

Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. Coca-Cola, Seven-Up. Pasta dental y la sopa Campbell´s se convirtieron en iconografía de esta corriente artística.

La producción de masas y el consumismo triunfante,  proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los "artistas pop". LA vida cotidiana marca las pautas d un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y lleno de carga visual.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica.

Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como  sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly, etc.

Los principales artistas pop:
-Andy Warhol
-Roy Lichtenstein
-Claes Oldenburg
-James Rosenquist
-Tom Wesselman
-Robert Indiana


Glosario:

Abstraccionismo, gracias al impresionismo

El Abstraccionismo es un movimiento artístico que surge a finales del siglo XIX como consecuencia del impresionismo, esta corriente le da un papel muy importante a la forma y el color, creando un aire de libertad en la creación y el arte como fin en sí mismo. 

Hay dos tipos de abstraccionismo:
-Abstracción lírica o cromática
-Abstracción geométrica

En el primero se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y el ritmo que producen por su relación para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura. 

Obra de Wassily Kandinsky

Museo: Centro Georges Pompidou

En el segundo utiliza la simplificación y el rigor matemático/geométrico de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada. 

Obra de Kasimir Malevich

Este movimiento artístico que ya se iba apuntando desde finales del siglo anterior; que busca la renovación absoluta de la pintura; que pretende que el hombre mismo se transforme; y que fue denominado "Abstracto" de la manera más infundada y absurda, dado que es una pintura que, precisamente, contiene concreciones (sus temas son rotundos: manchas, formas geométricas, puntos, rayas, etc., que podrán gustar o no, pero cuya presencia es rotunda y nada abstracta).

La abstracción cromática centra como ya lo habíamos mencionado su interés en el color, hay una obsesión por el color, simplemente plasmar colores y a su vez, representaba el estado anímico de su pintor que a su vez pretende con su obra causar una impresión anímica (buena o mala) en el espectador.

Algunos de sus exponentes más reconocidos son:
-Casimir Malevich
-Piet Mondrian
-Wassily Kandinsky
-Robert Delaunay
-


Glosario:

*Anímica.-
*Lírica.-
*Ritmo.-
*Concreciones.-
*Cromática.-

Fuentes:

http://lapinturaytu.blogspot.mx/2011/06/el-abstraccionismo.html
http://www.famousartistsgallery.com/gallery/kandinsky-fi.html

Coneptos en el Arte

Arte Conceptual

El Arte Conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta. Sus orígenes se remontan a la obra de Marcel Duchamp, artista de procedencia francesa que afirmaba que el concepto era más importante que el mismo objeto artístico.

Fuente- Duchamp

La característica principal de esta corrinte es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el Arte Conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos y en las variaciones sobre la naturaleza.

Este Arte se define como opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra no le pertenece a nadie.

Los artistas del Arte Conceptual utilizan métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra, como por ejemplo fotografías, videos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones y demás materiales que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventor que ocurren fuera de los museos.

Lus-Chema Madoz

A finales de la década de 1980, el Arte Conceptual experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la atención del mundo del arte de vanguardia se orienta hacia la obra basada en el tema y el contenido. Sin dejar de tomas en cuenta, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas  obras en los museos. Sólo quedan las fotografías y las declaraciones impresas sobre los proyectos realizafos.

Glosario 

*Concepto.- unidad cognitiva con significado. 

*objeto.- cosa que se percibe por medio de algún sentido.

*óptico.- rama de la física que analiza las características y propiedades de la luz.

Fuentes 

http://www.artelista.com/arte-conceptual.htm

Op Art o Arte para la vista

El Optical Art u Op Art, como comúnmente se le nombre,  se desarrollo a partir del arte cinético, aparecido después del surrealismo en el siglo XX, periodo donde dominaron las guerras mundiales y se desarrollaron las nuevas armas nucleares. Donde las dos nuevas potencias, Estados Unidos de América y la URRS, mantuvieron un conflicto desde el fin de la segunda guerra mundial hasta el año de 1991, con la caída del muro de Berlín en Alemania.

Dentro de las características que representan al Op Art encontramos:

·         La evolución matemática del arte abstracto.

·         Repetición de formas simples.

·         Los colores crean efectos vibrantes.

·         Gran efecto de profundidad.

·         Confusión entre fondo y primer plano.

·         Hábil uso de las luces y sombras.

                            Muvement in squares 

Al final el resultado con el conjunto de estas características es un espacio tridimensional el cual a los ojos del espectador pareciera que se mueve.

·         A pesar de que el efecto conseguido no es real, éste refleja un total dinamismo en la obra de arte.

 Logo de las Olimpiadas de México

·         En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.

Este movimiento se caracteriza por la investigación y la expresividad del movimiento físico producido por el mecanismo del movimiento debido a las ilusiones perceptivas producidas por colores y valores muy contrastados en superficie y espacios modulados por formas geométricas.

Entre los autores más importantes del movimiento se encuentran:

·         Julio Le Parc

·         Antonio Lizarazu Balué

·         Hainz Mark

·         Bridget Riley

·         Kennth Noland

     Glosario 

     *Abstracto.- No concreto, que no tiene realidad propia

     *Vibrantes.- que vibra.

     *Profundidad.- dimensión de los cuerpos perpendiculares a una superficie plana.

     *Fondo.- parte inferior de una cosa.

     *Primer plano.- plano que el ojo capta desde el principio  

     *Tridimensional.- que se desarrollo en tres dimensiones, alto, largo y ancho.

Arte en Movimiento = Arte Cinético

Cuando se habla de Arte Cinético se tiene que entender que es Arte en movimiento. Aunque hay que aclarar que este tipo de arte no representa el movimiento como tal, lo que le interesa es el movimiento mismo incorporado a la obra de arte. En otras palabras, representar a un atleta en movimiento no necesariamente tiene que ser visto como arte cinético.

El término cinético se uso por primera vez en 1920, en el Manifiesto Realista o Constructivista de Naum Gabo y Antonie Pevsner, en el que explicaban en qué consistía el Constructivismo. Fue en 1922 cuando Moholy-Nagy y Kemeny emplearon el vocablo “dinámico” al hacer referencia al movimiento. Lo hicieron en el tratado “Sistema de fuerzas dinámicas constructivas”. Por otra parte, Duchamp se refiere a móvil al señalar obras como las de Alexander Calder. Llegando el año 1955 el concepto cobra toda la forma, y lo hace raíz de la exposición llevada a cabo en la Galería Denise René de la capital francesa.

El arte cinético se divide en dos tendencias: movimiento Espacial, también conocida como Cinetismo, que busca la modificación espacial perceptible y la Lumínica o Luminismo, nacida a finales de los años cincuenta del siglo XX y que tiene como característica el cambio de color, de la luminosidad y de la esencia de la obra.

El declive de este movimiento llegó a finales de los años setenta, sin embargo muchos de los artistas que seguían la tendencia cinética continuaron trabajando sobre proyectos engendrados desde el llamado Enviromental Art, o Arte Ambiental.

Se considera que hay un periodo clásico en el Arte Cinético, que se vincula con el Futurismo y con el Constructivismo y en el que hallamos obras de Duchamp.

Glosario 

*Cinético.- relativo al movimiento o que lo produce 

*Constructivismo.- Nombre de varias corrientes en el arte, psicología, filosofía, pedagogía y ciencias sociales.

*Virtual.- aquello que tiene virtud para producir un efecto 

*Dinámico.- relativo a la fuerza cuando produce movimiento

*Cinetismo.- hace referencia a aquellas obras creadas para producir la ilusión de movimiento.

*Luminismo.- Se utiliza con varios estilos pictóricos, diferentes entre si.

Fuentes 

http://www.actuallynotes.com/Arte-Cinetico-Arte-en-Movimiento.html

Escultura e imagen digital

El arte digital es una disciplina de las artes plásticas que comprende obras en las que se usan elementos digitales, tanto en el proceso de producción como en su exhibición.

Las esculturas digitales se manifiestan mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados al contrario que el resto de las obras que se manifiestan sobre un soporte analógico (lienzo, material escultórico).

en 1953 cuando el expresionismo abstracto y el informalismo eran todavía las corriente estilísticas hegemónicas en el panorama artístico occidental, tuvo lugar la primer exposición de gráficos generados por una máquina electrónica en el Stanford Museum de Cherokee, Iowa (EU).

Desde entonces, la realización de gráficos con ayuda de máquinas empezó a multiplicarse hasta alcanzar su éxito. 
Fue a finales de los años 60 y principio de los 70, cuando esta práctica se extendió en numerosos países.

Charles Csuri, es considerado el pionero del arte digital y de la animación por ordenador por el Museo de Arte Moderno y por la Association for Computing Machinery Special Interest Group Graphics. Su exposición "Más allá de las fronteras" es una muestra de sus trabajos mas innovadores de arte en ordenador.

Otros artistas digitales reconocidos son:
-Robert Mallary
-David Em
-Laurence Gartel

Cubismo, objetos vistos desde diferentes ángulos

El cubismo es uno de los primeros movimientos plásticos del siglo XX, que fue abriendo camino hacia el arte abstracto. Se desarrolló entre 1907 y 1908, con Pablo Picasso y el francés Georges Braque, influenciados por la tendencia geométrica de Paul Cézanne y la firmeza constructiva de George Seurat, quienes comenzaron a analizar los objetos desde diferentes puntos de vista y a descomponerlos en líneas y planos. 

El objetivo principal del cubismo era alejarse del impresionismo (que tenía una representación naturalista) para plasmar de modo simultáneo sobre la superficie de un cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, intentando conseguir una cuarta dimensión. 

De esta forma las obras se convertían en una composición bidimensional, el cubismo analítico apareció en 1911, después llegó el cubismo musical; en este periodo los planos se fragmentaron y  multiplicaron, los matices se redujeron a diferentes tonos de un mismo color y los objetos desaparecieron totalmente de la obra con excepción de cuerdas o letras.

Ls pinturas de este movimiento se transformaron en un cuadro abstracto, a lo que le siguió el cubismo sintético que duró más allá de 1930 y se caracterizó por la necesidad de recomponer los objetos a través de planos más definidos de color, imágenes irreales que se transformaron en signos, formas, texturas y colores. 

El cubismo es un arte creado, un nuevo lenguaje y una nueva estética, un giro a la pintura y las artes plásticas. El cubismo rompe con lo convencional y sensitivo que representaba a la naturaleza, desde los tiempos de los griegos; es un arte mental tanto las obras como la concepción de ella. 

La luz, las formas, el volumen, la perspectiva, el movimiento, el espacio y el color, exigen al espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura que no se observa a simple vista. No es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro, las obras del cubismo no son casualidad, son resultado de un proceso de creación meditado y consciente por parte del artista.

                                         

Glosario:

*arte abstracto.- movimiento artístico que surgió en 1910, abusa del color, figuras geométricas y utiliza un lenguaje visual con diferentes significados.

*bidimensional: algo que tiene dos dimensiones (ancho y largo) pero no profundidad. Los planos por ejemplo, son bidimensionales y solo pueden tener cuerpos unidimensionales o bidimensionales

*sensitivo: sensibilidad, sensaciones producidas en los sentidos, particularmente en la piel.

Fuentes:

http://enciclopedia.us.es/index.php/Cubismo

http://www.losporques.com/arte/cuando-surgio-el-cubismo.htm

http://www.artelista.com/cubismo.html